Проверено редакцией журнала «Искусство».

«Хрома» — размышления о цветовом многообразии знаменитого британского режиссера и художника Дерека Джармена (1942-1994). В этой книге, написанной в 1993 году, за год до смерти, теряющий зрение Джармен использует все ресурсы письма в попытке передать сложный и неуловимый аспект предмета, в отношении которого у него накопился опыт целой жизни. В своем характерном стиле — лирическом соединении классической теории, анекдотичности и поэзии — Джармен проводит читателя сквозь цветовой спектр, представляя каждый цвет олицетворением эмоций, пробуждая воспоминания и сны. Он объясняет использование цвета в изобразительном искусстве — от Средневековья до Ренессанса и модернистов, обращается к великим теоретикам цвета — от Плиния Старшего до Леонардо, пишет о значении цвета в литературе, науке, философии, психологии, религии и алхимии.

"Смотрим на чужие страдания" (2003) - одна из последних опубликованных при жизни книг Сьюзен Сонтаг. В ней критик обращается к своей нашумевшей работе "О фотографии" (1977), дописывая, почти тридцать лет спустя, своего рода послесловие к размышлениям о природе фотографического изображения. На этот раз в центре внимания - военная фотография, документальные и постановочные снимки чужих страданий, их смысл и назначение.
2-е издание.

Двести пятьдесят лет немецкой истории — от 1774 года и до наших дней — разворачиваются сквозь пейзажи Каспара Давида Фридриха, самого немецкого из художников, открывшего всему миру романтическое томление духа. Гёте, например, так раздражала эта специфическая меланхоличность, что он расколотил одну из картин об стол; Диснея работы Фридриха вдохновляли настолько, что стали основой и фоном для знаменитого мультфильма «Бэмби». Нашедший поклонников среди известных авторов начала XX века и боготворимый нацистами, ненавидимый поколением 1968 года и презираемый своими современниками, Каспар Давид Фридрих столь же противоречив, как и написанные им картины. Флориан Иллиес продолжает традицию, заданную его предыдущими работами, и проводит читателей по закоулкам истории, сталкивает эпохи и личности, внешнюю хронику и частную жизнь, чтобы создать портрет художника, путешествующего во временах и эпохах.

Апокалипсис, или Откровения Иоанна Богослова — самая загадочная книга Нового Завета. По церковному преданию, этот текст был написан в конце I века н. э. одним из двенадцати апостолов Христа, евангелистом Иоанном, пребывавшим в изгнании на острове Патмос. Знаменитая серия гравюр Альбрехта Дюрера "Апокалипсис" (лат. Apocalypsis cum Figuris) была создана в 1496–1498 годах, в атмосфере эсхатологических ожиданий в преддверии конца столетия. Художественный язык поздней готики художник органично соединил со стилистикой итальянского Возрождения. Серия из 15 гравюр на дереве, сопровождающая текст Откровения Иоанна Богослова, была впервые опубликована в виде книги в 1498 году в Нюрнберге, на латыни и немецком языке. Благодаря этой работе 27-летний Дюрер стал известен всей Европе. Это первый пример издания, полностью осуществленного самим художником. В 1511 году вышло в свет второе издание, для которого Дюрер создал дополнительную гравюру для титульного листа. Цикл Дюрера вызвал большое число подражаний и вариаций, став одним из самых знаменитых в истории искусства. Ни один художник, обращающийся к теме Откровения после 1498 года, уже не мог пройти мимо этих гравюр.
Знаменитейший цикл гравюр Дюрера, как это ни удивительно, ни разу не воспроизводился в России в своем аутентичном виде. "Апокалипсис" Дюрера нередко ошибочно представляют как цикл гравюр — хотя в реальности это была авторская книга, абсолютно пионерская по своему характеру.
Настоящее издание впервые в России воспроизводит ренессансный памятник, в сопровождении двух искусствоведческих статей и комментария, раскрывающих контекст и смыслы, заложенные в произведение Дюрера. Издание приурочено к 550-летию великого мастера. Включение в состав издания полного текста Откровения Иоанна Богослова на русском языке позволяет вернуться к аутентичному восприятию изображений Дюрера в тесной синхронной связи с текстом Священного писания.

Это небольшое эссе, удостоенное премии Сент-Бёва, французский писатель, поэт и драматург Антонен Арто (1896–1948) написал после пребывания в психиатрической лечебнице. Он посвящает свой текст человеку, который в нашей культуре является классическим примером безумного гения, — Винсенту Ван Гогу. Собственный опыт Арто позволил ему создать личный, живой и пронзительный манифест против психиатрии как дисциплины и ее карательных методов. Автор опровергает тезис о сумасшествии Ван Гога, утверждая, что общество, не приемлющее нонконформизм и любую инаковость, само порождает тех, кого клеймит душевнобольными, и порой, как в случае Ван Гога, даже доводит их до самоубийства.

В новое издание также вошли тексты «Живописец мысли», «Выставка Кислинга» и «Выставка Бальтюса в Галерее Пьер».

На первый взгляд, созданный Хироси Сугимото фотографический портрет короля Англии Генриха VIII поражает воображение: камера Сугимото запечатлела тактильность мехов и шелков Генриха, искусную вышивку его камзола, свет, отражающийся от каждого сверкающего драгоценного камня. Контуры лица короля настолько реалистичны, что он кажется почти трехмерным. Кажется, что художник 21-го века перенесся почти на 500 лет назад, чтобы сфотографировать своего подданного. Но портреты исторических личностей Сугимото - это вымысел, по крайней мере, дважды удаленный от их сюжетов, выполненный путем фотографирования восковой фигуры, созданной скульптором либо по фотографическому портрету, либо по картине. Сугимото снимает своих подопечных в черно-белых тонах, позируя “натурщику” на черном фоне, что усиливает иллюзию того, что мы рассматриваем портрет современника, на котором персонаж вышел из истории. В этом томе представлены сделанные фотографом снимки восковых фигур, а также подборка портретов живых людей и фотографий на память о смерти. Как и в других его крупных работах — диорамах, морских пейзажах и театрах, — портреты Сугимото обращены к течению времени и истории и ставят под сомнение природу “реальности”, запечатленной камерой. "Хироси Сугимото: портреты" - четвертая книга из серии, посвященной основным работам Сугимото, в которой представлены 70 фотографий, 7 из которых ранее никогда не публиковались.

Эта книга, содержащая захватывающие дух фотографии масок, созданных известным мастером двадцать первого века, дает уникальную возможность взглянуть на но и кеген, две старейшие сохранившиеся формы театра в мире. Китадзава Хидэта - традиционный японский мастер, резчик по дереву для синтоистских храмов и мастер по изготовлению масок но, который создает маски как для классического театра но, так и для театра киоген. В этом великолепном издании представлено более шестидесяти его сценических масок, представленных в виде ярких фотографий на всю страницу, которые позволяют читателям оценить уровень детализации этих тщательно продуманных творений, вырезанных из дерева хиноки, украшенных слоями гипса, тонкой акварельной росписью под старину и иногда включающих такие материалы, как конский волос и золотая краска. Сначала читателей знакомят с классическими, а затем и с современными масками но и киоген, а затем приглашают в мастерскую Хидэты, где они знакомятся с особенностями дерева, которое он использует, процессами создания, реставрации и ношения масок, а также с основными принципами театра но и киоген. Размышления тех, кто работал с Китазавой, дополняют это яркое, захватывающее путешествие, посвященное творчеству современного мастера, который не только сохраняет многовековые театральные традиции, но и переделывает их для современной аудитории.

Первая в истории история изображения снов в западной живописи, проиллюстрированная работами более 130 художников.
Организованная по периодам, от Средних веков до наших дней, эта увлекательная книга показывает, как идея сна и его изображения менялись на протяжении истории, от библейского сна — сообщения от Бога — до глубоко личного сна, беззаботной фантазии, кошмара.
Иногда эти идеи существовали одновременно: так, с разницей всего в несколько лет, у нас есть прозрачная композиция Рафаэля эпохи Высокого Возрождения, изображающая Иакова, которому снится его Лестница; акварель Альбрехта Дюрера, изображающая таинственный потоп, который он видел во сне; и кошмарные адские пейзажи Иеронима Босха.
Совсем недавно такие движения, как символизм и сюрреализм, взяли сон в качестве основного источника вдохновения, даже смешав сон и сам творческий процесс. Эта богатая жила визионерского искусства тянется от Гюстава Моро и Одилона Редона, через Де Кирико и Дали, вплоть до наших дней, демонстрируя, как напоминает нам Берже, что Морфей был богом формы, а также сновидений.

Аббас Киаростами — иранский кинорежиссер и сценарист, поэт и фотограф, один из лидеров иранской «новой волны». В основу этой книги легли записи, сделанные британским киноведом Полом Кронином во время мастер классов режиссера. Киаростами размышляет об отношениях кинематографа и реальности, об искусственности монтажа, о пленке и цифре, о непрофессиональных актерах. Мастер поэтического, «незавершенного» кино, Киаростами считает поэзию основой всего искусства, а фотографию — формой медитации.

Вниманию читателя предлагается публикация сокращенного варианта лекций Валерия Подороги, прочитанных им в 2014–2015 годах в Московской школе нового кино. В данном курсе автор ставит вопрос о воображаемом как об условии возможности кинематографа и развивает понятия «бессознательного», «сновидения», «экрана», «Другого», «насилия», «страха». Анализируя структуру движущегося образа, Валерий Подорога показывает, что она не может быть сведена исключительно к внутри кинематографическим техникам, идеологиями и дискурсам, а является выражением более сложного антропологического и психоаналитического опыта. Автор разбирает многочисленные примеры из кинематографа, среди которых «Скрытое» и «Белая лента» Михаэля Ханеке, «Броненосец Потемкин» и «Стачка» Сергея Эйзенштена, обсуждает тексты Зигмунда Фрейда, Эрнста Юнгера, Жан-Поля Сартра и Жака Лакана. Красной линией в этих лекциях проходит основная идея Валерия Подороги, согласно которой кинематограф — это визуальный симптом скрытого воображаемого опыта. Причем сам этот опыт лежит в основе произведения (work-in-progress), воплощаемого режиссерами экспериментального кинематографа XX-XXI веков.